PL
HermitageHermitage. O miejscach do myślenia. Esej wizualny w trzech częściach z appendiksem to publikacja zamykająca wielowątkowy projekt artystyczno-badawczy. Projekt ten, oparty o realizowaną w różnych mediach strategię eseju wizualnego, porusza zagadnienie materializacji myślenia pojmowanego jako fenomen przestrzenny i mierzalny, wytwarzający zmienne formy i struktury.

Książka zawiera teksty autorki oraz kompilację archiwalnych tekstów kultury wizualnej zaczerpniętych z różnych źródeł, ułożonych według klucza ich wzajemnych odniesień w warstwie wizualnej i semantycznej. Wybór zawartych w publikacji artefaktów zdeterminowany jest osobliwym podobieństwem zakodowanym zarówno w języku form, jak w ich dyskursywnych uwikłaniach. Teksty i obrazy zostały zorganizowane według podziału na trzy części, z których każda analizuje odmienne aspekty tytułowych miejsc do myślenia.

Tę zmiennokształtność i wieloaspektowość miejsc do myślenia spina klamra figury Hermitage’u – osobliwej samotni, altany lub małej budowli, przeznaczonej wyłącznie do dumania i kontemplacji otaczającej przyrody. Ta zredukowana funkcjonalność często idzie w parze z wykoncypowaną, wręcz „wymyślną”, wymykającą się wzorcom i regułom, formą architektoniczną. Taki był słynny Ermitaż Katarzyny Wielkiej, mający być początkowo zaledwie niewielkim pawilonem mieszczącym prywatne zbiory cesarzowej, a który osiągnął w ciągu wieków rozbudowaną formę publicznej instytucji. Niezależnie jednak od skali, przywoływane w publikacji miejsca do myślenia, charakteryzuje pewna zawiłość i nieoczywista inwencja analogiczna wobec krętych ścieżek, po których zdążają myśli uwolnione od celu.

Całość zamyka appendix – radykalna synteza wyrażonych w książce konceptów, dzięki której zyskują one określony kształt oraz ciężar.

Projekt został zrealizowany w ramach stypendium Młoda Polska, które autorka otrzymała w 2020 roku.

Publikacja otrzymała nagrodę w 61. Konkursie Polskiego Towarzystwa Wydawców Książek Najpiękniejsze Książki Roku 2020.

EN
HermitageHermitage. On Places for Thinking. Visual Essay in Three Parts with an Appendix is a publication finalising a multithreading art-and-research project. Based on the visual essay strategy executed in various media, the project addresses the issue of materialisation of thinking understood as a spatial and measurable phenomenon, generating changeable forms and structures.

The book contains author’s original texts and compilation of archival texts of visual culture derived from various sources, organised according to the key of their mutual references in the visual and semantic layers. The selection of artefacts included in the publication is determined by a specific similarity encoded both in the language of forms and in their discursive implications. Texts and images are organised according to the division into three parts, each of them analysing different aspects of the title places for thinking.

Such a changeability of form and multiperspectivity of places for thinking are clipped together with the figure of Hermitage – a specific seclusion, arbour or small building dedicated solely to contemplation of the surrounding nature. This reduced functionality often accompanies the originated, and even “fabricated” architectural form, which escapes any patterns or principles. That was the case of the famous Catherine the Great’s Hermitage, initially intended as a small pavilion holding the empress’ private collection, and which has eventually grown to the extensive form of public institution over the ages. Regardless of the scale, however, the places for thinking referenced in the publication are characterised by certain ambiguity and non-obvious invention, analogous to meandering paths of purpose-free thinking.

The publication is completed by the appendix – a radical synthesis of the concepts expressed in the book which provides them with a certain shape and importance.

The project was realised within the Young Poland scholarship, granted to the artist in 2020.

The publication was awarded at the 61st The Most Beautiful Polish Books 2020 Competition of the Polish Book Publishers’ Association.

PL
Correspondentia
Esej wizualny o miłosnej korespondencji – rozmowie z osobą nieobecną, która odbywa się nie tylko poprzez słowa, ale też za pośrednictwem sensualnego wymiary świata przedmiotów i zjawisk. To ucieleśniona komunikacja oparta na przypominającym znane z fizyki oddziaływanie grawitacyjne czy magnetyczne: dwa ciała mogą zdążać ku sobie lub oddalać się od siebie, jak w platońskiej przypowieści o erotycznej tęsknocie fragmentów organizmów rozdzielonych przez gniewnego boga.

Korespondencja jest zatem oddziaływaniem, którego choreografię organizują szczególne warunki oddalenia czy oddzielenia – fizycznego dystansu wypełnionego materialnymi dowodami na istnienie widmowego miłosnego afektu. Kres korespondencji następuje w momencie całkowitego zniwelowania dystansu – jak w filmie romantycznym, w którym wyczekiwana scena spotkania zamyka całą historię miłosną.

Projekt zaprezentowany został na wystawie Sabat, Galeria Podbrzezie, Kraków, 29.10–27.11.2021. Kuratorki: Lidka Krawczyk i Magda Lazar

EN
Correspondentia
A visual essay about love correspondence – conversation with an absent person not only by means of words, but also the sensual world of objects and tangible phenomena. It is embodied and based on gravitational or magnetic physics: two bodies may mutually attract or repel, like in the Plato’s parable about the erotic desire of fragments of organisms, separated by angry god.

The correspondence, therefore, is a reaction in which choreography is organised by the conditions of remoteness or separation – the physical distance filled with material evidence of the existing yet phantom love affection. It ends once the distance is completely levelled – like in a romantic film, where the long-expected scene completes the entire love story.

The project presented at the Sabbath exhibition, Podbrzezie Art Gallery, Kraków, 29 Oct.–27 Nov. 2021. Curators: Lidka Krawczyk and Magda Lazar

PL
Drugie szczęście
Projekt Drugie szczęście to instalacja zbudowana z fotogramów w technice cyjanotypii przedstawiających okazy roślin z okolic Grodzieńszczyzny, których nazwy zostały odnotowane przez Elizę Orzeszkową w trzech językach w eseju Ludzie i kwiaty nad Niemnem. Jest to opowieść o osobistych wątkach pobocznych w twórczości, które mogą stanowić praktykę budującą wspólnotę doświadczeń. Dla Orzeszkowej takim wątkiem takim stała się pasja tworzenia zielników czy kwiatowych ozdób, którą podzielały również inne kobiety, tworzące w różnych czasach, miejscach i podejmujące rozmaite tematy w odniesieniu do świata roślin. Orzeszkowa, jako wrażliwa na język pisarka, oprócz roślin zbierała i utrwalała także ich nazwy, nie tylko te w języku rodzimym, ale też taksonomiczne terminy łacińskie oraz nazwy zwyczajowe, nadawane przez ludność zamieszkującą tereny Grodzieńszczyzny. 

EN
The Second Happiness
The Second Happiness project is an installation, built of photograms in the cyanotype technology, presenting specimen of Grodno district plants, noted in three languages in Eliza Orzeszkowa’s essay Ludzie i kwiaty nad Niemnem [People and Flowers at the Niemen]. It is a story about personal by-plots in art which can be treated as universal practice, making the area of common experience. Such a plot is a passion for making herbaria and floral decorations which turns out to knit together women’s narratives of various places and times.


„Oto wiązanka nazw” [1]– tak Eliza Orzeszkowa rozpoczęła długą, rozpisaną w cyklu etnobotanicznych esejów [2] listę nazw roślin występujących w okolicach Grodzieńszczyzny, na pograniczu Polski i Białorusi. Zbierała nazwy zwyczajowe jak botaniczne okazy, zapisywała je w języku polskim i białoruskim (w zapisie fonetycznym) i uzupełniała je o ujęte w nawiasy naukowe nazwy łacińskie. Kolekcjonowanie nazw i odpowiadających im roślinnych desygnatów, które preparowała zgodnie z zasadami sztuki tworzenia herbariów, stanowiło mało znany wątek poboczny twórczości pisarki. Zamiłowanie do botanicznej terminologii (fitonimii) można wyczytać z rozległych i szczegółowych opisów lokalnej przyrody wypełniających karty jej powieści i nowel, roślinność i jej nazewnictwo zaświadczały bowiem o prawdziwości miejsc istniejących poza literacką fikcją.

Jednak pasja „botanizowania”, jak określała ją sama Orzeszkowa, wykraczała znacznie poza funkcję wzbogacania walorów literackich jej utworów. Była to pasja wszechogarniająca, przerastająca całe życie pisarki, pogłębiająca jej doświadczanie najbliższego otoczenia, z którego pobierała małe próbki i budowała z nich pomniejszone własne światy. Tworzone przez nią zielniki zachowywały bardzo naukowy charakter, były konsultowane ze znawcą i badaczem flory Jerzym Aleksandrowiczem [3], a każdy okaz opatrzony był terminologią wyrażoną w trójjęzycznym kluczu.

Jednak obok zielników powstawały także „albumy kwiatowe”, pozbawione scjentystycznych ambicji swobodne kompozycje florystyczne, bez przypisywanych kwiatom denotacji. Jeśli pojawiały się w nich słowa, były to osobiste wyznania, refleksje lub dedykacje. Kwiatowe zdobienia rozprzestrzeniały się również na sprzęty domowe (szczególnie tace), papeterie (pisarka uwielbiała ozdabiać listy suchymi kwiatami) i zakładki do książek, jak ta podarowana w ostatnim roku życia przyjaciółce Lucynie Kotarbińskiej [4].

„Botanizowanie” jako boczny nurt twórczości pisarki mogło stanowić dla niej strategię budowania wypowiedzi na granicy języka, uzupełniania słów o substancjalne, namacalne elementy wychwycone z potocznego, przywołującego zmysły doświadczenia. Być może profesjonalna i konwencjonalna twórczość literacka wymagała tego rezonującego dopełnienia o szczególnym, osobistym znaczeniu. „Było to po pisaniu drugim w życiu moim szczęściem” [5] – wyznała Orzeszkowa w jednym z listów. Jej prywatna korespondencja ujawnia także szereg tkliwych nazw, którymi obdarzała swoje roślinne dzieła: „pociechy”, „rozrywki”, „kochania” czy „odpoczynki życia”[6]– bezwstydnie emocjonalne i szczere.

Rozmiłowanie w wykonywaniu rozmaitych herbariów okazuje się swoistym „miejscem wspólnym” dla doświadczeń twórczych wielu kobiet, często bywało gestem emancypującym, pozwalającym literalnie „wyjść z domu” po to, by z uzbieranych drobiazgów zbudować swoją przestrzeń – „własny pokój”. „Siostrą w botanizowaniu” mogłaby stać się dla Orzeszkowej Emily Dickinson, lubująca się w myślnikach samotnica z Massachusetts, która w latach 1839–1846 tworzyła zielnik będący zapisem otaczającego jej dom krajobrazu, albo brytyjska ilustratorka i botaniczka Anna Atkins, entuzjastka paproci i glonów, które dokumentowała w technice cyjanotypii [7]. Z „solarnych” odbitek tworzyła następnie albumy o niekwestionowanych walorach naukowych, niepozbawione przy tym sensualnego wdzięku, przejawiającego się również w kaligraficznie nakreślonych nazwach okazów, tytulariach, appendiksach i erratach [8].

„Botanizowanie” Orzeszkowej, Dickinson, Atkins i wielu innych stanowi wspólną opowieść o notatkach z empirycznych zachwytów – chłonięcia zmysłami napędzanych energią słoneczną procesów wzrostu, ale też o potrzebie stwarzania miniatur świata, zmniejszania w procesie dehydracji pobranych z niego próbek tak, by mogły osiągnąć bardziej osobistą skalę i pomieścić się w albumie, pamiętniku, liście lub książce. To także opowieść o wątkach pobocznych, które jak korzenie o wiązkowej budowie zasilają twórczą aktywność, sięgając przy tym do utajonych lub zagubionych zasobów elementarnej, zmysłowej urody życia.


[1]
Eliza Orzeszkowa, Ludzie i kwiaty nad Niemnem. Zbiór esejów na dwóch językach. Pierwsza wspólna publikacja, Mińsk 2012, s. 18.

[2]
Zbiór esejów Ludzie i kwiaty nad Niemnem ukazywał się cyklicznie w latach 1888–1891 w czasopiśmie etnograficznym Wisła.

[3]
Magdalena Jonca, „Pozór malowidła”. Wokół albumu florystycznego Elizy Orzeszkowej, w: Album kwiatowe Elizy Orzeszkowej, red. Renata Łukaszewska, Wrocław 2018, s. 15.

[4]
https://polona.pl/item/korespondencja-lucyny-kotarbinskiej-listy-elizy-orzeszkowej-z-lat-1887-1910,MTY3ODgyOA/0/#info:metadata (dostęp: 10.04.2022).

[5]
Eliza Orzeszkowa, list do Tadeusza Bochwica, Grodno 26.11/9.12.1909, w: Listy zebrane, Wrocław 1971, t. 7, s. 197.

[6]
Eliza Orzeszkowa, list do Cecylii Niewiadomskiej, Grodno 9.02.1906, w: Listy zebrane, Wrocław 1971, t. 8, s. 397, 398.

[7]
Zastosowana przez Atkins technika cyjanotypii polega na tworzeniu fotogramu przez umieszczanie różnych przedmiotów bezpośrednio na materiale pokrytym emulsją światłoczułą i naświetlaniu jej w celu uzyskania obrazu negatywowego. Jest to metoda stykowa i nie wymaga użycia specjalistycznej aparatury, emulsję można naświetlić światłem słonecznym, stąd cyjanotypie Atkins bywają nazywane „słonecznymi ogrodami”. Odbitki cyjanotypowe charakteryzują się barwą w odcieniu błękitu pruskiego – za sprawą występujących w emulsji soli żelaza wykazujących takie zabarwienie pod wpływem absorpcji światła.

[8]
W latach 1843–1851 Atkins tworzyła serię albumów Photographs of British Algae: Cyanotype Impressions (dostęp 14.04.2022). W 1853 r. we współpracy z Anną Dixon wykonała album Cyanotypes of British and Foreign Ferns (dostęp: 14.04.2022). W 1854 r., również we współpracy z Dixon, stworzyła kolejny album Cyanotypes of British and Foreign Flowering Plant (dostęp: 14.04.2022).

Projekt został zaprezentowany na wystawie Interior w Galerii Sztuki Współczesnej BWA w Katowicach, 12.05–12.06.2022. Kuratorka: Marta Lisok.

PL
W cieniu owocującej nudy
Istnieją różne odcienie nudy – to spektrum rozpięte między dwiema skrajnymi odmianami tego stanu, jak określił je Bertrand Russell: nudą jałową i ogłupiającą (stultifying boredom) a ożywczą „nudą owocującą” (fructifying boredom) [Bertrand Russell, The Conquest of Happiness].

W każdym wypadku nuda to po prostu brak ekscytacji, przy czym „nuda owocująca” stanowi unikalną sublimację „robienia rzeczy po nic” albo „robienia czegoś z niczego”. Ta szczególna odmiana nudy to stan utajonej aktywności – osobliwego chłonięcia – wyostrzania obserwacji i uważności. Można też postrzegać owocującą nudę jako strategię wywrotową – to piasek w trybach kapitalistycznej machiny zawłaszczania i monetyzowania czasu. To proces skupiania emancypującej energii, docierania do wrażliwości i zbrojenia jej w słowa, aby mogła stawić opór retoryce afektywnego przyspieszenia i związanemu z nią poczuciu winy i wstydu, powodowanego nieproduktywnym niedziałaniem.

Trzy, wyświetlane symultanicznie filmy, ukazują powolne czynności, przywołujące eksperymenty i gry popularne w okresie wczesnej edukacji. Zabawa spirografem, układanie zielnika, hodowla kryształów – aktywności nieproduktywne a jednak podszyte ciekawością i inspirujące do swobodnej, sensualnej eksploracji. Czytany przez lektorkę esej, będący zapisem wzmożonej obserwacji świata przyrody, wyznacza spowolnione tempo filmów.

Projekt zaprezentowany został na wystawie Guilty Pleasure – ukryte przyjemności w muzyce, Galeria ASP w Katowicach Rondo Sztuki, 29.07–25.08.2021.

EN
In the Shade of Fructifying Boredom
Boredom comes in different shades – it is a spectrum spread between two extreme types of this condition, as defined by Bertrand Russell: stultifying boredom and fructifying boredom [Bertrand Russell, The Conquest of Happiness].

In each case, boredom is simply the lack of excitement, and the “fructifying boredom” constitutes the unique sublimation of “doing things for nothing” or “making something out of nothing”. This particular type of boredom is a state of latent activity – specific absorption – sharpening observation and mindfulness. It could also be perceived as a rebellious strategy – a spanner in the works of capitalistic machine of appropriation and monetising of time. This process focusses on the emancipatory energy, gaining access to sensitivity and arming it with words, so that it can resist the rhetoric of affective acceleration and related sense of guilt and shame, caused by the unproductive inactivity.

Three films, projected simultaneously, feature slow-pace activities, recapturing experiments and games popular in the early-school period. Playing with a spirograph, making a herbarium, growing crystals – the unproductive activities, yet based on curiosity and inspiring to free, sensual exploration. The essay, read by a voice artist, is a record of enhanced observation of nature and sets the slow pace of the films.

The project presented at the Guilty Pleasures – Hidden Pleasures of Music exhibition at the Rondo Sztuki Art Gallery of the Academy of Fine Arts and Design in Katowice, 29 July–25 Aug. 2021

PL
Kolaż stanowi poręczne narzędzie tworzenia wizualnych notatek poprzez proste gesty wycinania, rekonfigurowania i łączenia rozmaitych elementów. To ćwiczenie manualnego myślenia odsłaniające nowe możliwości konstruowania i materializowania koncepcji.

EN
Collage is a handy tool for creating visual notes through the simple gestures of cutting, reconfiguring and combining a variety of elements. It is an exercise in manual thinking that reveals new possibilities for inventing abstract concepts and bringing them into the physical world.